世界三大音乐教学体系为：达尔克罗兹音乐教育体系、柯达伊音乐教育体系、奥尔夫音乐教育体系。
达尔克罗兹音乐教育体系：
达尔克罗兹的生平简介：
原名：尼尔·雅克·达尔克罗兹。
瑞士音乐家、教育家，出生在奥地利的维也纳。生于1865年7月6日，死于1950年7月1日。
达尔克罗兹的生命线：
达尔克罗兹音乐学习阶段（1865-1889）
1865年出生，父亲是钟表推销商，母亲是音乐教师，1871年6岁，开始学习钢琴、1872年7岁，开始创作进行曲，1875年10岁，一家迁回日内瓦居住。1881年16岁，进入一个附设有两年大学预科的中学读书，在此期间在日内瓦音乐学院学习钢琴和作曲。
1883年18岁，进入日内瓦大学，1884年19岁，来到巴黎决心学习戏剧，参加了法兰西喜剧院工作，同时学习音乐，1886年21岁，应邀来到北非的阿尔及尔，有机会接触阿拉伯音乐。1887年22岁，随父亲到维也纳，经过严格考试进了安东·布鲁克纳的作曲班，1889年24岁，考入了巴黎音乐学院，进入了福雷的作曲班，同时师从著名的作曲家德里布。
达尔克罗兹音乐教育工作阶段：
1892年27岁，学业完成后回到日内瓦音乐学院工作，教授音乐史、和声、高级视唱练耳等课程，也从事了大量音乐创作活动。
1893年28岁，发表了第一部歌曲集，很多歌曲马上被广泛传唱。
1894年29岁，出版了视唱练耳教科书《使用音准练习》。
1900年35岁，提出了一个新的学说，后来演变成“体态律动教学法”。
1902年37岁，在日内瓦音乐学院被迫辞职。
1905年40岁，在瑞士音乐家协会的会议上首次展示了她得教学改革成果。
1906年41岁，出版了有五部分组成《达尔克罗兹体态律动教学法》。
1910年45岁，事业发展到顶点，在德国赫勒劳建立达尔克罗兹体系研究所。
1910年—1914年，陆续在德国、英国伦敦、巴黎、维也纳、纽约等地建立起体态律动学校。
1914年8月49岁，因世界大战爆发而中断工作。回到日内瓦，第二年随后在日内瓦建立达尔克罗兹学院。
1919——1930年发表多篇关于体态律动音乐教学方面著作，《节奏、音乐和教育》《体态律动艺术和教育》。
1950年85岁，在日内瓦逝世。
1965年100岁，瑞士举办了纪念达尔克罗兹诞辰100周年的活动，并建立达尔克罗兹纪念馆。
达尔克罗兹的教育体系：
始于视唱练耳的教学改革，经过长时间的方法探索构建“体态律动”的理论基础，最后以即兴教学的引入为标志，确立了一个完整的新的音乐教育体系。（视唱练耳、体态律动、即兴教学）
体态律动不同于韵律体操、也不同于舞蹈，他根本上服从音乐的指导，他以身体作为乐器，通过身体动作，体验音乐节奏的速度、力度、时值变化，进而将表现音乐所必需的要素“融化”于我们的身心，发展对音响节奏和身体节奏的通感，能用我们的官能直接反映情感，以培养学生利用听觉获得轻松、协调自如的节奏感为目的。
体态律动既然是一身体运动来感受和再现所听到的音乐，那么身体就当然的成为乐器：
音高——手势（或身体）在空间的方向和位置
音响强度——动作（肌肉）的力度
音色——身体不同部位的表示
时值——动作的延续
休止——停顿
旋律——各动作的连续
对位——不同动作、不同方位的位置
和弦——各种动作的结合叠加
乐句——动作的段落
曲式——运动在空间和时间中的分布状态
体态律动的教学过程始于聆听音乐或节奏音响。先让学生去聆听音乐，通过聆听和身体运动引发运动觉反应。引导学生通过身体运动去接触到音乐的各个要素，由于身体动作的参与使音乐要素成为可以看得见的身体活动，这样这些要素的作用就逐一的显现出来了。
体态律动教学把一个人变成了能理解音乐要求，能理解和表现音乐的乐器。通过这件人体乐器展示了音乐的核心要素，又通过学习者的内心听觉和情感，强化了艺术性质。
体态律动身体动作分类：
原地动作与空间动作（或称非移动性活动与移动性活动）
1、原地动作：拍手、摇摆、晃动、指挥、弯曲、转身、踏步、说话、唱歌。
2、空间动作：走、跑、跳、蹦、跃、奔腾、滑行。
注意动作的整体性，并要按照预备、起奏、延续、恢复四个步骤进行练习。
体态律动学教师必须具有即兴创作的才能。
他（她）即兴创作的音乐必须能训练、支配、指挥和促进孩子们的动作。在钢琴上即兴创作需具备六项条件；（1）准确的听觉力；（2）发明唱和演奏旋律的能力；（3）当不同的方法和不同的调（换调）为旋律伴奏时，要协调。
（4）准确的视奏；（5）熟记许多童谣，民歌和作为例证的或有戏剧性效果的其他曲调；（6）用音乐的声音再现孩子们动作的节奏和为孩子们即兴设计动作、音乐的能力。
运动和心理的关系：
1、所有的节奏都是运动。
2、所有的运动都是物质的运动。
3、所有的运动都需要时间和空间。
4、在运动中，空间和时间被将它们转化为一种外在节奏的物质重新组合。
5、儿童的运动是纯身体运动和无意识运动。
6、身体的体验形成意识。
7、身体手段的完善产生清晰有序的智能知觉。
8、控制运动就是培养有节奏的心理。
柯达伊音乐教育体系：
柯达伊教学法兴起概述：
原名：柯达伊·佐尔坦，生于1882，死于1967年（85岁）。是一位匈牙利著名作曲家、哲学家和音乐教育家。
柯达伊的教育体系：
一、教学顺序。
二、教学手段（1、首调唱名法2、节奏读法3、字母谱4、手势的运用5、固定音名唱法）。
三、教材来源。
四、教育哲学。
柯达伊教学方法的基础：歌唱。
柯达伊教学目标：
1、培养社会技能和艺术才能平衡发展的儿童。
2、使儿童长大成人之后，能具备这样的音乐才能，看到乐谱就能想到声音，读谱和记谱就想说话和写字一样。
一、教学顺序
教学顺序的安排要尊重儿童的能力发展规律，而不是建立在学科体系的基础上，以学科体系为基础的教学并没有把课程进行的顺序和儿童的音乐发展能力特征结合起来，只是按照看似合理的顺序组织教学内容，这样不利于儿童对音乐的学习和发展。
柯达伊认为幼儿音乐能力发展的几个特点：
1、儿童演唱的歌曲要符合以下要求：不超过六个音符，音程是大二度或更大。幼儿很难唱准半音程。
2、对儿童来说，下行音程比上行音程更容易学会，这就意味着在初学阶段，教师要选择下行曲调的歌曲。
3、对幼儿来说，小三度音程比小二度音程更容易把握，大音程比如六度、八度比较难学。
4、有关音域的一项研究表明，幼儿最容易唱准升F上方的小三度，即A音。
二、教学手段
1、首调唱名法。
2、节奏读法。
3、字母谱。
4、手势的运用。
5、固定音名唱法。
手势的应用
1、手势的创作。
2、手势的基本形态。
3、手势的原理。
4、手势在实践教学中的应用。
三、教材来源
1、儿童生活中的游戏、童谣、圣歌。
2、民间音乐。
3、经典的创作音乐，即由著名作曲家创作的音乐。
四、教育哲学
1、提倡的教学理念：音乐课程的核心地位。
2、嗓音是最好的乐器，歌唱教学的重要作用。
3、教材选用的重要作用。
4、对教师的严格要求。
柯达伊教学思想总结：
使用的教学手段：首调唱名法、节奏读法、字母谱的应用、手势的应用。
选择民间歌曲和著名作曲家的音乐做教材。
强调早期音乐教育的重要性。
主张用嗓音做乐器进行教学。
认为把音乐放在课程的核心地位，音乐教育对全方面发展的重要性。
奥尔夫音乐教育体系：
生平简介：
卡尔奥尔夫（1895-1982），当代世界著名的德国作曲家，音乐教育家。1895年7月10日出生在慕尼黑一个有艺术素养的军人世家，受家庭环境的影响，卡尔·奥尔夫从小对音乐和戏剧产生浓厚的兴趣，这为他成为一个伟大的音乐剧大师奠定了基础。
奥尔夫的音乐经历：
1、幼儿时期接受的艺术教育。
2、青少年时期的音乐剧戏活动。
3、慕尼黑音乐学院学习时期。
4、京特学校时期。
5、重返音乐喜剧创作时期。
6、奥尔夫音乐教育的发展与国际化。
“原本性音乐”理念：
奥尔夫在其所著的《<学校儿童音乐教材>——回顾与展望》曾说的：
“原本的音乐绝不是单纯的音乐，它是和动作、舞蹈、语言紧密结合在一起的；它是一种人们必须自己参与的音乐，即人们不是作为听众，而是作为演奏者参与其间”。
传统音乐与奥尔夫音乐教育理念上的差别：
1、传统音乐：趋于专业化、技能化、工艺化的教育向导，侧重于音乐理论知识、音乐技能对音乐纯粹的学习的陈旧模式。忽视学生对音乐的情感和体验，忽视学生学习过程中的主动性、主体性、个性、创造性。
2、奥尔夫音乐：具有人本主义思想，关注音乐教育对人的发展的巨大作用，是想通过音乐学习挖掘人的内在潜能，培养健全的人格，发展丰富的创造能力为最终目标，以此为音乐教育的出发点和最终目的。
奥尔夫的音乐教育思想：
“原本性音乐”教育：将音乐、动作、舞蹈、语言、游戏、创作及其它融为一体进行音乐教学，引导学生积极参到音乐活动中来，亲身的感受和体验，让孩子在轻松愉快的氛围下，自然而然的将音乐融入到个人内心中，达到音乐与内心的交流。
并在这个过程中培养学生品性、促进幻想能力、创造能力发展，树立自信心。那么这种情感的激发和体验及各种能力的获得不是外在的知识灌输和技术训练，而是通过亲自参与，自发地、自然地、无形得获得。
奥尔夫的音乐教育思想：
1、主张综合性。
2、重视即兴性、创造性。
3、强调实践性。
4、强调本土化。
5、面向全体。
1、主张综合性
这里的综合性再一次体现了他“原本性”音乐理念。所谓的综合性指的是音乐教育形式应是融音乐、舞蹈、语言为一体的整体艺术。
奥尔夫认为：表达思想和情绪是人类的本能欲望，并通过语言、歌唱（含乐器演奏）、舞蹈等形式自然流露，这是人原本固有的能力，是人类本来的状况，也是最接近人心灵的。只有让学生通过原本的唱、走、动、说为一体的综合艺术，找回人类抒发情感最直接、最生动的方式，才能触及人们的内心深处。
在奥尔夫音乐教学中，儿童在演唱、演奏的同时，还要结合朗诵、舞动、动作、游戏等活动，让学生乐此不疲的投入到音乐学习当中。同时这种综合的教学过程，不仅培养了学生的音乐能力（音色的识别、旋律的记忆、乐器的演奏、曲式的认知等）自身素质（反应能力、交流能力、合作能力、协调能力）还增强了学生对音乐的情感体验。
2、重视即兴性、创造性
孩子的生活经验没有受太多的社会影响而定型，即兴创造是具有的本性，是散发心灵的本能反应。因此奥尔夫强调要积极地引导孩子们去发挥这种天然具有对音乐的创造性。在看到一幅图画后，他们可以根据自己的理解用音乐去表达，通过简单的乐器即兴演奏、即兴表演，当没有乐器时，他们能用手、脚、筷子、报纸等代替音乐进行演奏，充分体现对乐器的创造性。
所以在这里奥尔夫教学法不是一种固定的、封闭性的“条条框框”，他的整体内容和方法都鼓励和启发人们自己去创造和安排。不建议给孩子现有的东西，进行灌输式的教学。而是通过引导和启发让孩子们自己发挥其想象能力、创造能力。
3、强调实践性
奥尔夫认为原本性的音乐教育是“人们必须自己参与的音乐，人们不是作为听众，而是作为演奏者参与其间。”所以他强调音乐学习的过程中，让学生通过亲身实践的音乐活动，实现联想、想象、情绪感受等审美情感心理的体验。真正达到音乐与内心对应与交流。
4、强调本土化
在奥尔夫的音乐教育中提倡从学生所熟悉的语言、文化、艺术等本土化环境出发，从学生最熟悉的生活中去取材来进行音乐教育，这样做增加学习兴趣，有利于学生的学习和成长，使音乐教育达到一个良好效果。同时还使得本民族文化的得到了很好的传承和发展。
奥尔夫教育理念之所以被人们广泛认同，其中一个重要的原因就是奥尔夫强调从本土文化出发，尊重各种文化形态的存在。
5、面向全体
奥尔夫音乐教学不仅仅针对儿童，它面向所有的人，任何人都应该接受音乐教育，奥尔夫教学方法适用于所有人。
奥尔夫音乐教育实践在中国的应用：
语言在音乐教学中的应用——朗诵入手
动作在音乐教学中的应用——结合动作
奥尔夫乐器在教学中的应用——器乐教学
（1）将语言引入音乐教学是奥尔夫对学校音乐教学的一项伟大贡献。语言是每个人自出生后首要学习，而且必备的一种能力，利用语言来学习音乐充分体现了儿童教育的一个重要原则，那就是从孩子们熟悉的环境与事物入手。同时，奥尔夫主张从本土文化出发的音乐教育，将本民族、本土文化即“母语文化”融入到音乐教育当中去。
语言在音乐教学中的内容和方法：
1、从字词、姓名开始的节奏朗诵教学。
实例：王、晶晶、王、晶晶。
2、成语、谚语做节奏短句教学的练习。
3、儿歌、童谣的节奏朗诵练习。
儿歌、童谣实例：
小老鼠，上灯台，偷油吃，下不来，叫奶奶，奶奶不来，叽里咕噜滚下来。
小蝌蚪儿小尾巴，游来游去找妈妈，“妈妈，妈妈，你在哪？”，“来了，来了，我来了”。来了一只大青蛙。
一只蚂蚁来搬米，搬来搬去搬不起，两只蚂蚁来搬米，身体晃来又晃去。三只蚂蚁来搬米，轻轻抬着进洞里。
手拿花花杯，喝口清清水，抬起头，闭着嘴，咕噜咕噜吐出水。
动作在音乐教学中的应用——结合动作。
动作教学的目的：
1、身心平衡发展。
2、培养敏锐的听力、注意力、反应能力。
3、发展创造力。
4、节奏感训练。
5、发展音乐感的基础教育。
奥尔夫乐器在教学中的应用——器乐教学。
奥尔夫乐器分类及特点：
第一类：无固定音高系列的敲击乐器，即我们通常称的打击乐器。
第二类：有音高的乐器，一般是从乐器制作的原材料和音色特点来进行分类的。这里主要指音条乐器。
1、打击乐器：
（1）皮革类：即鼓类。常用的如手鼓、铃鼓、小军鼓、大小堂鼓、大军鼓、架子鼓、排鼓、定音鼓等。
乐器特点：由于一般鼓类都是由皮革蒙在有共鸣体得圆桶上做成，因此最大的特点是有较强的共鸣声，音量较大，较低沉、浑厚，是与做低音声部，在强拍上给人稳定感。
（2）木质类：用竹木制作的，如单响筒、双响筒、蛙盒（响板）、梆子（木棍）、木鱼等。
乐器特点：声音清脆、明亮、短促无延绵音、颗粒性强，因此在教学中敲打节奏较复杂、速度较快一些的节奏型，常担任“旋律声部”，奏起来节奏清晰、干净。
（3）金属类：用铜等金属制作。如三角铁、碰铃、锣、钹（单面、双面）等。
乐器特点：延绵音长、声音明亮、穿透力强。锣、钹类音量较大，在合奏中使用要特别小心，一般是作为特色乐器使用。课堂上大量使用的是三角铁、碰铃，但他们音量一般较小，不宜用在强拍，由于有余音，颗粒不清，不易演奏音符多而速度快的节奏型，避免在音响上混作一片。
（4）散响类：这类乐器主要是根据发音特点命名的，金属的如串铃、西斯特（以摇动许多小铁片发声的）、铃鼓（另一种用法即摇动鼓使其环边的小铁片哗哗作响），竹、木制的各种沙锤（现多用塑料，椰壳制作）。
乐器特点：音量小，声音细碎，在打节奏时也比较难控制，所以一般不宜做强拍和较快而复杂的节奏型，但因它的音长是靠摇动控制，所以适用作长音演奏，对感受音的长度来说是比较理想的打击乐器。
2、音条乐器
钟琴、金属琴、木琴。